Audición 12: Concierto de Brandemburgo nº5 (Bach)

Puede considerarse como un gran concierto para cémbalo, por la importancia y dificultad de la parte solista. De hecho, también podría considerarse como el primer concierto para cémbalo, dado que hasta entonces el instrumento tan solo hacía las funciones de continuo dentro de la orquesta.
La flauta empleada es una flauta travesera, no la flauta de pico empleada en el concierto nº2.
Por último señalar que está en Re Mayor.

Audición 11: Conciertos de Brandemburgo nº2 (Bach)

Este concierto de Brandemburgo nº2 está en Fa Mayor. Se trata de un concierto barroco típico, con sus tres movimientos rápido-lento-rápido. Los papeles solistas de este concierto son la trompeta, la flauta de pico, el oboe y el violín, que se encomienda a la orquesta barroca normal: cuerda y continuo.

Audición 10: Pasión según San Mateo (Bach)

En el terreno de lo estrictamente técnico podemos decir que está escrita para una orquesta y coros dobles, es decir, dos coros y una orquesta barroca con instrumentos doblados sonando muchas veces simultáneamente. Bach también introduce la utilización de largas duraciones en las cuerdas para hablar de Jesús como Dios y entremezclandose los coros.
La trama es obvia: condena y muerte de Jesucristo.

Audición 8: Sonata para violin y continuo en Sol menor (Vivaldi)

INTRODUCCIÓN 

En el Barroco se producirá un gran avance en  la música instrumental que se igualará en importancia a la música vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido al desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del  violín, que se convertirá en protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas. Otros instrumentos también mejoraron como la flauta, el oboe, el clave, que se convertirá en uno de los instrumentos más populares, tanto en faceta solística, como en su papel de instrumento fundamental en la interpretación del bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano,  fundamental en el campo de la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.

En el Barroco surgirá la orquesta, entendida como un grupo de instrumentos organizados por secciones o familias, en la que la sección de la cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) se convertirá en la base misma de la orquesta, en torno a ella se añadirán: flautas, ocasionalmente trompetas, trombones y timbales. Además de la presencia del clave para la realización del continuo.

FORMAS INSTRUMENTALES:

SONATA:

 Es una composición instrumental para un grupo reducido de instrumentos con bajo continuo y que consta de varios movimientos contrastantes, frecuentemente cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido).

La sonata puede ser compuesta para un instrumento solista normalmente el clave, si es  para otro instrumento que actúe como solista (flauta, oboe, violín), aparece acompañado por el bajo continuo, y para dos instrumentos agudos y el bajo continuo que sería la agrupación más frecuente. Llamada sonata en trío o trío-sonata en lo que se refiere al dispositivo instrumental empleado, entendiendo lo de "trío" no con carácter numérico restrictivo, sino como idea: son dos voces "cantantes" y un "acompañamiento" o, mejor dicho, un basamento armónico dado por el bajo continuo y que puede estar confiado a uno o a varios instrumentos e instrumentistas.

 La sonata de cámara consiste en un preludio o introducción y la sucesión de dos, tres o cuatro movimientos normalmente emparentados con aires de danza; la sonata de iglesia huye de la danza y se estructura habitualmente como sucesión de cuatro movimientos "abstractos", en el esquema lento-rápido-lento-rápido, ateniéndose por lo común los movimientos rápidos a procedimientos de escritura contrapuntística (fugada).   

Audición 7: Las cuatro estaciones (Vivaldi)

INTRODUCCIÓN:
Vivaldi nació en Venecia en 1678. Vivaldi fue una pieza clave en la creación del concierto para violín tal como lo conocemos hoy, y también, una pieza clave de la transición del barroco al clasicismo.
Por otra parte, tenemos que la técnica compositiva de Vivaldi, en torno a dos grados principales (Tónica y Dominante), donde una linea melódica general hegemoniza los demás parámetros musicales y extramusicales suele considerarse el punto de partida para ese nuevo estilo que se llamará "Clasicismo".
SOBRE LA AUDICIÓN:
Las cuatro estaciones son en realidad cuatro conciertos para violín y conjunto.
El primero, como todos sabemos es "La primavera", luego viene "El verano", pasamos a "El otoño" y terminamos con "El invierno". Vivaldi empleó muchos elementos extramusicales en estos cuatro conciertos y también en muchos otros conciertos. Podemos escuchar una tormenta de verano, helarnos de frío con el invierno, o escuchar como florece la primavera.

Escenografía de Dido and Aeneas

A Cleopatra la pondría en lo alto de una montaña durante los largos dias de invierno con un camisón negro reluciendo bajo la luz y tristemente cada segundo que pasase el frío aumentaría, llevándose la muerte consigo a esta. Mientras el coro vestido todo negro narraría los hechos que fuesen pasando.

Comentario de texto (Bach)

Bach se dirige a Federico con una ofrenda musical cuya parte más noble procede de la propia augusta mano de Vuestra Majestad. Finalmente Bach añade una humildisima súplica diciendole que Vuestra Majestad se digne enaltecer este modesto trabajo con su graciosa aceptación y que siga concediendo la augustísima gracia real de Vuestra Majestad a quien es el siervo más humilde y obediente.

Comentario de texto (Concilio de Trento, Decreto de 1562)

El Concilio de Trento fue fundado en 1545 en Italia. Esto hecho tenía como propósito de que la gente acudiera a la iglesia en busca de convencerlos de la palabra de Dios y no de la música. Tuvo una gran importancia en el aspecto religioso este movimiento.

Audición 6: Purcell (Dido and Aeneas)

Henry Purcell ) fue un compositor británico del Barroco. Se desconoce la fecha exacta de su nacimiento. Falleció el 21 de noviembre de 1695 en Westminster. Está considerado el mejor compositor inglés de todos los tiempos. Purcell incorporó elementos estilísticos franceses e italianos, generando un estilo propio inglés de música barroca.

En la obra podemos destacar que el ritmo es  lento y constante, compás ternario de 3/2. Textura / Armonía: El lamento se encuentra en modo menor, y es fiel a la tradición de la ópera italiana construyendo arias mediante el apoyo de un bajo ostinato, surge de la cuarta descendente y se “desliza” mediante cromatismos. Este bajo ostinato es ampliado por una fórmula cadencial de dos compases, dando como resultado un esquema de cinco compases que se repite nueve veces. La presencia de retardos produce un efecto de tensión e impulso, que intensifica las disonancias, y, el carácter de lamento y dolor del aria. Una característica fundamental es que estas disonancias se forman con los acordes que acompañan la melodía. Bajo continuo: El bajo continuo es muy importante en el barroco. Su función es el soporte armónico y suele correr a cargo de los instrumentos más graves. Suele participar el violonchelo, el contrabajo, la viola de gamba y el clave, que completa la textura con acordes improvisados. El clave es el instrumento “comodín” del barroco, puede llevar la melodía, colaborar en el acompañamiento y completar la armonía del bajo continuo. En la escritura consiste en fijar la nota del bajo e indicar con números el intervalo en que deben tocar o cantar las otras voces. Muchas veces se escribe sólo la melodía y se le agrega el bajo cifrado, dejando a las voces intermedias la libertad para moverse dentro de la armonía.

Audición 5: Haendel (Giulio Cesare)

Georg Friedrich Händel (23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la música
occidental. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante incluso más que Purcell  en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.

Giulio Cesare es una composición operística donde predomina el bel canto, con el acompañamiento del aria (pieza musical cantada por una voz solista sin coro).La obra posiblemente es la mejor de la historia del género de la ópera seria. Consta de una trama de estilo dramático ligado intrínsecamente a una línea melódica ornamentada y llena de giros armónicos. La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema, el cual seguían todas las óperas del momento. Derivaban sus elementos de la historia y las leyendas clásicas, por ello, prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y musicales.

Audición 4: Haendel (El Mesías)

Georg Friedrich Händel (23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la música occidental. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante incluso más que Purcell  en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.

Su oratorio más famoso es el renombrado "Mesías" (1741). La historia cuenta que éste surgió después de un largo período de escasez en la producción musical del compositor, debido a una inspiración divina. 

Este oratorio fue representado en el Convent Garden y dirigido por el mismísimo Händel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte.

La letra dice:  “ Aleluya, pues el Señor Dios Omnipotente reina ya, Aleluya, el reino de este mundo se ha convertido en el reino de nuestro Señor y de su Cristo, y Él reinará por siempre, Aleluya, Rey de Reyes y Señor de los Señores, y Él reinará eternamente. ¡Aleluya!”.

Audición 3: Domenico Scarlatti ( Fuga en Sol menor)

Domenico Scarlatti (1685-1757)

Domenico fue hijo de Alessandro Scarlatti, y hemos de suponer que, como éste mismo, había recibido una profunda formación cultural, tanto en el campo humanístico (dado que Alessandro componía frecuentemente ópera para los círculos de intelectuales napolitanos) como en el campo musical en todas sus vertientes (otros géneros de música instrumental, géneros vocales). Sin embargo, la sombra del nombre de Alessandro impidió un desarrollo completo del joven músico hasta que éste se emancipó del domicilio familiar y se asentó por su propia cuenta como músico al servicio del rey de Portugal, Joao V (1720-1728). 

Domenico se le considera el iniciador de sonatas y en cuanto a su obra fuga en sol menor o fuga del gato utiliza el contrapunto imitativo, donde las piezas ya empiezan a ser tocadas por el clave. Por último añadir que todo su repertorio estaba dedicado hacia Bárbara de Braganza (esposa de Fernando VI).

Aqui os dejo una composición de la obra:

Adición 2: Gaspar Sanz (Canarios)

Gaspar Sanz fue guitarrista y compositor nacido en Calanda (Teruel). Se graduó en teología en Salamanca y estuvo en Nápoles al servicio del Virrey, donde conoció al organista de la Capilla Real napolitana, Cristóbal Carisani. Posteriormente don Juan de Austria, hijo natural de Felipe IV, lo nombró su profesor de guitarra, y a partir de entonces alternó su éxito entre el órgano y la guitarra.
En su obra (Canarios) podemos destacar que se trata de música instrumental, donde se aprecia la sustitución de la vihuela por la guitarra barroca (la guitarra tenía cinco juegos de cuerdas, afinadas La-Re-Sol-Si-Mi, de los bordones a los tiples. La prima era una sola cuerda, pero las demás eran dobles, para un total de nueve cuerdas. Las dobles de la segunda y la tercera se afinaban al unísono, pero según dejó escrito Sanz, las cuartas y quintas podían ser dos bordones (la costumbre en España), dos tiples (lo normal en Italia), o incluso un bordón y un tiple). El texto está representado en tablaturas, donde usaba cuerdas, letras y trastes. La textura es armónica fija ya que la melodía puede variar. Otro de los repertorios de Sanz era la existencia de adornos y rasgueos.

Aquí os dejo un video para que le echéis un vistazo.

Audición 1: Monteverdi (Orfeo)

Monteverdi combina todos los estilos antiguos y modernos, como el canto florido acompañado por un bajo armónico simple y una orquestación muy cuidada, novedad en la época, ya que siempre se acompañaba el canto con los medios disponibles.
La obra comienza con la tocata en Re mayor, interpretada por la percusión y la sección de viento metal de la orquesta. El resultado es brillante, alegre, gracias a los trinos, y muy rítmico. La sección de cuerda repite la secuencia: vemos laúdes, archilaúdes, violines barrocos, el arpa, etc. más de cuarenta instrumentos.
Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-barrocas. Para el momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo renancentistas tardío y el barroco temprano, y los compositores vanguardistas como Monteverdi, combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes.
Para finalizar aqui os dejo con una representación de Jordi Savall.